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News

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100 AÑOS DE ELLA

Reina del Jazz. Primera Dama de la Canción. Lady Ella. Estos son los nombres que se ganó una de las más grandes entre las grandes en la historia del jazz. Ella Fitzgerald, una mujer pobre negra que nació exactamente hace un siglo.


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Al decir pobre, lo decimos literalmente. Ella nació el 25 de abril de 1917 en Virginia, de una pareja soltera. Fue criada por su madre y su padrastro –que, según algunos biógrafos, podría haber abusado de ella–-. Tuvo que cambiar varias veces de escuela, trabajó vigilando para un burdel, fue a parar a un orfanato y a un reformatorio, e incluso sobrevivió un par de años como 'homeless', cantando por las calles de Nueva York por unas monedas.

No se trata exactamente de una infancia pacífica. Pero todo empezó a cambiar a la edad de 17 años, cuando Ella debutó como cantante en un concurso para aficionados en Harlem, en el Apollo Theather. Obviamente, ganó. Y poco después Chick Webb la reclutó para su banda, que fue renombrada como 'Ella Fitzgerald y su Orquesta' cuando este murió.

Desde entonces, Ella fue considerada a menudo como la mejor entre las cantantes femeninas de jazz. Y estamos hablando de una época llena de grandes vocalistas, pero Ella destacó por el don de su calidad vocal y su amplio registro. Fue la primera mujer afroamericana en ganar un Grammy, en 1958. Y luego ganó otros 12 y vendió 40 millones de álbumes, en una exitosa carrera que se extendió por décadas y produjo toneladas de discos.

Ella nació como una mujer pobre negra en el sur profundo, pero murió como una estrella universalmente reconocida y respetada en Beverly Hills, a la edad de 79 años. A veces los dioses de jazz son dulces con sus artistas.

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EXCLUSIVA RECORD STORE DAY 2017
WES MONTGOMERY WITH THE WYNTON KELLY TRIO - SMOKIN’ IN SEATTLE: LIVE AT THE PENTHOUSE

Pat Metheny dijo sobre 'Smokin' At The Half Note', de Wes Montgomery y el trío de Wynton Kelly, que se trata "absolutamente del mejor álbum de jazz de guitarra jamás realizado". Menos de un año después de este clásico, Montgomery y el trío de Kelly se presentaron en el Penthouse de Seattle, y este álbum recoge algunas de esas históricas sesiones, nunca publicadas hasta hoy.


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Como exclusiva Record Store Day, esta joya para coleccionistas y buenos amantes del jazz está disponible en una edición limitada en forma de LP de lujo, que incluye material gráfico difícil de encontrar, textos y entrevistas, o como una edición en CD disponible en mayo. Por lo tanto, los amantes del vinilo tienen una opción: o compran ya una de las pocas copias editadas, o se verán condenados a perseguirlo de tienda de segunda mano en tienda de segunda mano, quizás para toda la eternidad.

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EXCLUSIVA RECORD STORE DAY 2017
BILL EVANS - ANOTHER TIME: THE HILVERSUM CONCERT

¿Un concierto inédito de Bill Evans? Sí. Y puedes comprarlo hoy mismo. En una edición de lo más limitado. Esta es la magia del Record Store Day.


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22 de junio de 1968. El trío de Bill Evans, con Eddie Gómez al bajo y Jack DeJohnette a la batería, tocó en directo para la radio holandesa en Hilversum, en la que es una de las tres únicas grabaciones conocidas de esta formación, que solo tocó junta como trío durante apenas seis meses.

La cintas originales han estado olvidadas y durmiendo en silencio –y en condiciones prístinas– durante casi 50 años, y ahora se publican en forma de LP en edición de lujo. Al decir de lujo queremos decir que se incluyen fotos inéditas, ensayos y entrevistas, en una edición con sonido de máxima calidad. Una verdadera joya para los amantes de Bill Evans y para todos los amantes del jazz. Bueno, para todos los amantes del jazz que no duerman hasta tarde. ¿O tenemos que recordar que se trata de una exclusiva Record Store Day, en edición limitadísima, y que una vez agotada no tendrá reediciones?

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EXCLUSIVA RECORD STORE DAY 2017
BILL EVANS - ANOTHER TIME: THE HILVERSUM CONCERT

¿Un concierto inédito de Bill Evans? Sí. Y puedes comprarlo hoy mismo. En una edición de lo más limitado. Esta es la magia del Record Store Day.


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22 de junio de 1968. El trío de Bill Evans, con Eddie Gómez al bajo y Jack DeJohnette a la batería, tocó en directo para la radio holandesa en Hilversum, en la que es una de las tres únicas grabaciones conocidas de esta formación, que solo tocó junta como trío durante apenas seis meses.

La cintas originales han estado olvidadas y durmiendo en silencio –y en condiciones prístinas– durante casi 50 años, y ahora se publican en forma de LP en edición de lujo. Al decir de lujo queremos decir que se incluyen fotos inéditas, ensayos y entrevistas, en una edición con sonido de máxima calidad. Una verdadera joya para los amantes de Bill Evans y para todos los amantes del jazz. Bueno, para todos los amantes del jazz que no duerman hasta tarde. ¿O tenemos que recordar que se trata de una exclusiva Record Store Day, en edición limitadísima, y que una vez agotada no tendrá reediciones?

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EXCLUSIVA RECORD STORE DAY 2017
BILL EVANS - ANOTHER TIME: THE HILVERSUM CONCERT

¿Un concierto inédito de Bill Evans? Sí. Y puedes comprarlo hoy mismo. En una edición de lo más limitado. Esta es la magia del Record Store Day.


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22 de junio de 1968. El trío de Bill Evans, con Eddie Gómez al bajo y Jack DeJohnette a la batería, tocó en directo para la radio holandesa en Hilversum, en la que es una de las tres únicas grabaciones conocidas de esta formación, que solo tocó junta como trío durante apenas seis meses.

La cintas originales han estado olvidadas y durmiendo en silencio –y en condiciones prístinas– durante casi 50 años, y ahora se publican en forma de LP en edición de lujo. Al decir de lujo queremos decir que se incluyen fotos inéditas, ensayos y entrevistas, en una edición con sonido de máxima calidad. Una verdadera joya para los amantes de Bill Evans y para todos los amantes del jazz. Bueno, para todos los amantes del jazz que no duerman hasta tarde. ¿O tenemos que recordar que se trata de una exclusiva Record Store Day, en edición limitadísima, y que una vez agotada no tendrá reediciones?

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EXCLUSIVA RECORD STORE DAY 2017
JACO PASTORIUS - TRUTH, LIBERTY & SOUL - LIVE IN NYC: THE COMPLETE 1982 NPR JAZZ ALIVE!

Limitado (adj): "Confinado con límites. Restringido o circunscrito". Esto dicen los diccionarios. Como cada tercer sábado de abril desde 2007, las tiendas de discos tiendas independientes de todo el mundo lo celebran poniendo a la venta ediciones limitadas exclusivas de discos especialmente seleccionados. Por limitadas y exclusivas, nos referimos a muy pocas copias y a que no habrá reediciones. Nada de reservas. Cuando se agota un título, se agota. O sea, que daos prisa o arrepentíos para siempre.

A todos nos encanta Jaco Pastorius. 30 años después de su muerte, sigue siendo uno de los bajistas más influyentes de la historia del jazz. Y estaba en su plenitud el 27 de junio de 1982, en el Avery Fisher Hall de Nueva York. Ese magnífico concierto reunió en torno a Jaco a músicos de máximo nivel como Randy Brecker, Jon Faddis o Bob Mintzer, además del legendario armonicista Toots Thielemans. Nunca se llegó a publicar como disco oficial, y solo existía en forma de unos cuantos bootlegs incompletos y con poca calidad de sonido.


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Hasta hoy. Esta edición limitada –insistimos– está disponible en forma de triple LP, exclusiva para el Record Store Day, con sonido de alta calidad restaurado de la cinta original de 24 pistas, así como en edición en doble CD disponible a partir de mayo. O sea que mejor daos prisa, amantes del vinilo.

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VINILO, CD Y MP3: CUANDO EL FORMATO SÍ IMPORTA

El sorprendente auge de la música en vinilo ha traído una polémica recurrente entre los (buenos) aficionados a la música (y los aficionados al jazz son muy buenos): ¿Se oye mejor el vinilo que el CD? ¿Suena de verdad "más cálido"? Una espinosa cuestión a la que se pueden dar varias respuestas largas, y una corta. Empecemos por la corta: CD y vinilo tienen sus pros y sus contras, pero lo que de verdad apesta es ese engendro del demonio llamado mp3.

A favor del vinilo se suele argumentar una supuesta calidez del sonido analógico que no tendría la música en CD. Algo de eso hay. Aunque los expertos puntualicen que en buena parte se debe a la distorsión que causa la propia aguja al pasar por los surcos. Es decir, que se trataría de un defecto, a pesar de que los oídos del aficionado lo interpretan a menudo como una virtud.

También se habla de una mayor compresión del rango dinámico, y de una mejor respuesta del vinilo en volúmenes altos, frente a un CD que responde mejor a poco volumen. No hace falta ser un técnico de sonido, de hecho, para oír el paso de la aguja a volúmenes muy bajos.

Por contra, el vinilo se desgasta inevitablemente a cada uso, requiere unos cuidados especiales y hay que almacenarlo y transportarlo con sumo cuidado. Defectos que, de nuevo, son percibidos como virtudes, por lo que implican de ritual. Y es que la escucha en formato digital se convierte en ocasiones, inevitablemente, en un sonido de fondo mientras uno está por otras cosas. Algo que es más difícil de que ocurra tras el delicado proceso de extraer cuidadosamente un vinilo de su carpeta, limpiarlo con mimo, colocar la aguja con aún más mimo y verse "obligado" a escuchar las canciones en el orden en el que las concibió el artista.

Sin duda, el auge del vinilo responde en parte a este componente romántico, a una revalorización de los objetos físicos en un mundo digital. Por eso son parte fundamental de los vinilos sus grandes carpetas con grandes fotos. Mejor aún, si se presentan en formato desplegable. Aunque las buenas ediciones en CD también vienen con magníficos libretos, a veces de muchas páginas, con valiosa información sobre el álbum.

Ambos formatos, vinilo y CD, presentan sus ventajas e inconvenientes. Suenan distinto, se presentan de distinta forma, y cada aficionado tendrá sus preferencias. Pero todos estarán de acuerdo en algo: no son comparables a la aberración del mp3 o de la música en streaming, con compresiones a veces simplemente inaceptables, sin matices, sin ritual, sin nada tangible... sin alma, en definitiva.

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VINILO, CD Y MP3: CUANDO EL FORMATO SÍ IMPORTA

El sorprendente auge de la música en vinilo ha traído una polémica recurrente entre los (buenos) aficionados a la música (y los aficionados al jazz son muy buenos): ¿Se oye mejor el vinilo que el CD? ¿Suena de verdad "más cálido"? Una espinosa cuestión a la que se pueden dar varias respuestas largas, y una corta. Empecemos por la corta: CD y vinilo tienen sus pros y sus contras, pero lo que de verdad apesta es ese engendro del demonio llamado mp3.

A favor del vinilo se suele argumentar una supuesta calidez del sonido analógico que no tendría la música en CD. Algo de eso hay. Aunque los expertos puntualicen que en buena parte se debe a la distorsión que causa la propia aguja al pasar por los surcos. Es decir, que se trataría de un defecto, a pesar de que los oídos del aficionado lo interpretan a menudo como una virtud.

También se habla de una mayor compresión del rango dinámico, y de una mejor respuesta del vinilo en volúmenes altos, frente a un CD que responde mejor a poco volumen. No hace falta ser un técnico de sonido, de hecho, para oír el paso de la aguja a volúmenes muy bajos.

Por contra, el vinilo se desgasta inevitablemente a cada uso, requiere unos cuidados especiales y hay que almacenarlo y transportarlo con sumo cuidado. Defectos que, de nuevo, son percibidos como virtudes, por lo que implican de ritual. Y es que la escucha en formato digital se convierte en ocasiones, inevitablemente, en un sonido de fondo mientras uno está por otras cosas. Algo que es más difícil de que ocurra tras el delicado proceso de extraer cuidadosamente un vinilo de su carpeta, limpiarlo con mimo, colocar la aguja con aún más mimo y verse "obligado" a escuchar las canciones en el orden en el que las concibió el artista.

Sin duda, el auge del vinilo responde en parte a este componente romántico, a una revalorización de los objetos físicos en un mundo digital. Por eso son parte fundamental de los vinilos sus grandes carpetas con grandes fotos. Mejor aún, si se presentan en formato desplegable. Aunque las buenas ediciones en CD también vienen con magníficos libretos, a veces de muchas páginas, con valiosa información sobre el álbum.

Ambos formatos, vinilo y CD, presentan sus ventajas e inconvenientes. Suenan distinto, se presentan de distinta forma, y cada aficionado tendrá sus preferencias. Pero todos estarán de acuerdo en algo: no son comparables a la aberración del mp3 o de la música en streaming, con compresiones a veces simplemente inaceptables, sin matices, sin ritual, sin nada tangible... sin alma, en definitiva.

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VINILO, CD Y MP3: CUANDO EL FORMATO SÍ IMPORTA

El sorprendente auge de la música en vinilo ha traído una polémica recurrente entre los (buenos) aficionados a la música (y los aficionados al jazz son muy buenos): ¿Se oye mejor el vinilo que el CD? ¿Suena de verdad "más cálido"? Una espinosa cuestión a la que se pueden dar varias respuestas largas, y una corta. Empecemos por la corta: CD y vinilo tienen sus pros y sus contras, pero lo que de verdad apesta es ese engendro del demonio llamado mp3.

A favor del vinilo se suele argumentar una supuesta calidez del sonido analógico que no tendría la música en CD. Algo de eso hay. Aunque los expertos puntualicen que en buena parte se debe a la distorsión que causa la propia aguja al pasar por los surcos. Es decir, que se trataría de un defecto, a pesar de que los oídos del aficionado lo interpretan a menudo como una virtud.

También se habla de una mayor compresión del rango dinámico, y de una mejor respuesta del vinilo en volúmenes altos, frente a un CD que responde mejor a poco volumen. No hace falta ser un técnico de sonido, de hecho, para oír el paso de la aguja a volúmenes muy bajos.

Por contra, el vinilo se desgasta inevitablemente a cada uso, requiere unos cuidados especiales y hay que almacenarlo y transportarlo con sumo cuidado. Defectos que, de nuevo, son percibidos como virtudes, por lo que implican de ritual. Y es que la escucha en formato digital se convierte en ocasiones, inevitablemente, en un sonido de fondo mientras uno está por otras cosas. Algo que es más difícil de que ocurra tras el delicado proceso de extraer cuidadosamente un vinilo de su carpeta, limpiarlo con mimo, colocar la aguja con aún más mimo y verse "obligado" a escuchar las canciones en el orden en el que las concibió el artista.

Sin duda, el auge del vinilo responde en parte a este componente romántico, a una revalorización de los objetos físicos en un mundo digital. Por eso son parte fundamental de los vinilos sus grandes carpetas con grandes fotos. Mejor aún, si se presentan en formato desplegable. Aunque las buenas ediciones en CD también vienen con magníficos libretos, a veces de muchas páginas, con valiosa información sobre el álbum.

Ambos formatos, vinilo y CD, presentan sus ventajas e inconvenientes. Suenan distinto, se presentan de distinta forma, y cada aficionado tendrá sus preferencias. Pero todos estarán de acuerdo en algo: no son comparables a la aberración del mp3 o de la música en streaming, con compresiones a veces simplemente inaceptables, sin matices, sin ritual, sin nada tangible... sin alma, en definitiva.

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JAZZ FOR LAUGHS

Imagina que escuchas un disco nuevo que no conocías, y suena bastante familiar. Imagina que suena como el 'Kind of Blue' de Miles Davis. Imagina que no es solo similar, sino que es una reproducción nota por nota de 'Kind of Blue'. Pues Mostly Other People Do the Killing lo hicieron. Para echarse unas risas.

MOPDtK es una banda de jóvenes, irreverentes e iconoclastas músicos de jazz. Algunas de las portadas de sus álbumes son parodias de clásicos –'Shamokin', su segundo trabajo, imita el célebre 'Night in Tunisia' de Art Blakey, por ejemplo–, muchos de sus discos se llaman como poblaciones de Pensilvania y alguno de sus videoclips incluye dibujos animados.

Esto supone un buen sentido del humor. Pero 'Blue' va más allá del humor. Al interpretar una reproducción exacta de la obra más famosa de la historia del jazz, MOPDtK satiriza la peligrosa –y fosilizante– tendencia de considerar el jazz como la música clásica de nuestro tiempo. Luego, si es música clásica, ¿por qué no interpretarla como música clásica? Brillante.

Y por cierto que MOPDtK no es una banda de parodias. Son excelentes músicos y compositores, y 'Loafer's Hollow', su último disco, es una excelente, alegre y efusiva muestra de composiciones inspiradas en el gran swing de los años 30 y 40. Y no es fácil de encontrar en Europa.


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ELLA & LOUIS. NO HACE FALTA DECIR MÁS

Decimos Ella. Decimos Louis. No hacen falta apellidos, ya sabemos todos de quién hablamos. Decimos ‘Ella & Louis’. No hace falta decir nada más.


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Publicado en el mágico año de 1956, ‘Ella & Louis’ es quizás la más conocida de las colaboraciones entre dos de los artistas más grandes de la historia del jazz, la vocalista Ella Fitzgerald –el centenario del nacimiento de la cual se celebra ya mismo, el 25 de abril–, y el trompetista y cantante Louis Armstrong . Se convirtió en un clásico instantáneo, y ahora es casi inmortal.

'Ella & Louis' recoge un puñado de grandes standards americanos, firmados por compositores como Irving Berlin o los hermanos Gershwin. Una receta para el éxito, que ayudó a expandir el jazz –o, al menos, elementos del jazz– entre un público general –y blanco–.

Además, 'Ella & Louis' se adelanta a su tiempo por su portada, que podría firmar cualquier diseñador moderno. Sólo una mujer y un hombre vestidos de manera sencilla, sentados en sencillas sillas en una habitación sencilla. Y una sencilla leyenda, 'ella & louis'. No hacen falta más explicaciones. Es Ella y es Louis. No hace falta decir más.

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ELLA, LOUIS, PORGY AND BESS

El jazz tiene su propia ópera, y su nombre es 'Porgy And Bess'. Y recordarlo es una buena manera de celebrar el centenario del nacimiento de Ella Fitzgerald, el inminente 25 de abril próximo.


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Escrita en 1934 por George Gershwin, 'Porgy And Bess' fue la fuente de un montón de famosos estandards –incluyendo 'Summertime', 'It Ain't Necessarily So' o 'I Loves You Porgy–-. Fue también uno de los primeros intentos logrados de unir la música popular y de raíz norteamericana con las formas de la 'alta' cultura personificadas por la ópera clásica.

'Porgy And Bess' obtuvo un gran éxito. También obtuvo una controversia considerable, desde el momento en que presentaba una visión estereotipada de la comunidad negra, ahogada en un mundo de drogas y violencia. Sin embargo, y para compensar el abuso de clichés, los hermanos Gershwin insistieron en que su obra debía ser interpretada por cantantes afroamericanos, y no por blancos con la cara pintada, al estilo de Al Jolson.

En sus más de 80 años de historia, 'Porgy And Bess' ha visto un montón de versiones y de discos. Pero seguramente ninguno tan famoso como el homónimo álbum doble que Ella Fitzgerald y Louis Armstrong grabaron en 1957. Un verdadero hito en la historia del jazz vocal, protagonizado por dos monstruos como Ella y Louis, que se compenetran como nadie. Y un vinilo imprescindible en la colección de cualquier buen aficionado.

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TODOS PARA UNO, UNO PARA TODOS CON EL FREE JAZZ

Air no fueron precisamente profetas en su tierra. Al menos, al principio de sus carreras.

El trío de free jazz y avant-garde Air, formado en Chicago a mediados de los 70 –y pronto trasladado a Nueva York, donde se uniría a la floreciente escena loft-jazz de la ciudad–, lanzó sus tres primeros discos fuera de los EEUU, para el sello japonés Whynot y el italiano Black Saint, y solo 'volvió' a casa con su cuarto trabajo, 'Air Time'.

Como dijo AllMusic, "el trío Air tenía como objetivo lograr una estrecha interacción entre tres iguales musicales", Henry Threadgill al saxo, Fred Hopkins al bajo y Steve McCall a la batería. Y eso mismo hicieron en 'Air Time', combinado con un montón de solos de todos los miembros de la banda –era un grupo realmente democrático– y con su querencia habitual a la improvisación. El resultado, un 'must' para todos los aficionados y coleccionistas del free jazz.


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EL PRIMER DUKE ‘UNCUT’

Parece increíble, pero el primer LP de Duke Ellington no se grabó hasta finales de 1950. Y es este. Y tiene toda una historia detrás.

El formato long play ya llevaba dos años largos en el mercado cuando Columbia Records se decidió a publicar a Duke, en lo que hoy en día parece una dilación imperdonable. Ellington y su orquesta, eso sí, aprovecharon la ocasión, y prepararon una magnífica grabación con sus mayores éxitos hasta la fecha, liberados de la grave limitación de los discos de 78 rpm, que apenas permitían una canción de tres o cuatro minutos por cada cara.

Lo destacable es que, en lugar de atiborrar el álbum de temas breves, como era costumbre en los primeros tiempos de las 33 rpm, un clarividente Ellington optó por incluir solo cuatro piezas en el disco. Solo cuatro, pero en sus versiones 'extendidas'. Es decir, tal y como se interpretaban en directo, superando los 10 o hasta 15 minutos de duración. Se trata de tres de sus clásicos, 'Mood Indigo', 'Sophisticated Lady' y 'Solitude', además de lo que entonces se anunció como "una espléndida nueva obra", 'The Tattoed Bride'. De hecho, y para remarcar esta entonces novedosa característica, las cuatro piezas se publicaron con el inequívoco subtitulo de 'in uncut concert arrangements'.

La sesión, registrada el 19 de diciembre de 1950, tiene por este motivo una indudable importancia histórica. Pero también porque es una de las últimas en que la orquesta de Duke se presentó con su formación más clásica, antes del éxodo de Johnny Hodges, Lawrence Brown y Sonny Greer, y recoge las últimas composiciones escritas y orquestadas por la pareja Duke Ellington-Billy Staryhorn para esa imbatible alineación.


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Obras maestras con historia, presentadas en un cuidado vinilo –remasterizado a partir del original analógico– con portada gatefold. Una magnífica edición que hace honor al nombre de su sello, Pure Pleasure.

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EL PRIMER DUKE ‘UNCUT’

Parece increíble, pero el primer LP de Duke Ellington no se grabó hasta finales de 1950. Y es este. Y tiene toda una historia detrás.

El formato long play ya llevaba dos años largos en el mercado cuando Columbia Records se decidió a publicar a Duke, en lo que hoy en día parece una dilación imperdonable. Ellington y su orquesta, eso sí, aprovecharon la ocasión, y prepararon una magnífica grabación con sus mayores éxitos hasta la fecha, liberados de la grave limitación de los discos de 78 rpm, que apenas permitían una canción de tres o cuatro minutos por cada cara.

Lo destacable es que, en lugar de atiborrar el álbum de temas breves, como era costumbre en los primeros tiempos de las 33 rpm, un clarividente Ellington optó por incluir solo cuatro piezas en el disco. Solo cuatro, pero en sus versiones 'extendidas'. Es decir, tal y como se interpretaban en directo, superando los 10 o hasta 15 minutos de duración. Se trata de tres de sus clásicos, 'Mood Indigo', 'Sophisticated Lady' y 'Solitude', además de lo que entonces se anunció como "una espléndida nueva obra", 'The Tattoed Bride'. De hecho, y para remarcar esta entonces novedosa característica, las cuatro piezas se publicaron con el inequívoco subtitulo de 'in uncut concert arrangements'.

La sesión, registrada el 19 de diciembre de 1950, tiene por este motivo una indudable importancia histórica. Pero también porque es una de las últimas en que la orquesta de Duke se presentó con su formación más clásica, antes del éxodo de Johnny Hodges, Lawrence Brown y Sonny Greer, y recoge las últimas composiciones escritas y orquestadas por la pareja Duke Ellington-Billy Staryhorn para esa imbatible alineación.


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Obras maestras con historia, presentadas en un cuidado vinilo –remasterizado a partir del original analógico– con portada gatefold. Una magnífica edición que hace honor al nombre de su sello, Pure Pleasure.

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A VIBRAR CON EL VIBRATO

SIDNEY BECHET. The Grand Master Of The Soprano Sax And Clarinet.
Este LP de Columbia recopila tres diferentes sesiones grabadas entre 1938 y 1947. Bechet se pega al saxo soprano en cada uno de ellos, con amplio espacio para sus solos, llenos de su vibrato marca de la casa.


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GODARD, SEBERG, BELMONDO Y JAZZ

El clásico de la nouvelle vague 'A bout de souffle', la opera prima del legendario realizador Jean Luc Godard, con Jean-Paul Belmondo y Jean Seberg en los papeles principales, tuvo una magnífica banda sonora a cargo del jazzman francés Martial Solal. Como bonus, el LP incluye la música compuesta e interpretada por el propio Solal para otros dos films franceses clásicos. 'Match contre la mort' y 'Si le vent te fait peur'.


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LA DAMA DEL BLUES QUE MASCABA TABACO

Una joya del viejo blues, a cargo de una pionera como Lizzie ‘Kid’ Douglas, más conocida como Memphis Minnie. Una mujer fuerte y con genio, que mascaba tabaco incluso en el escenario. Esta edición esencial contiene 17 pistas de estudio, una escogida selección del más que prolífico catálogo de Memphis Minnie, tomado de diferentes sellos. Se incluye 'I'm A Bad Luck Woman', por supuesto.


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LA DAMA DEL BLUES QUE MASCABA TABACO

Una joya del viejo blues, a cargo de una pionera como Lizzie ‘Kid’ Douglas, más conocida como Memphis Minnie. Una mujer fuerte y con genio, que mascaba tabaco incluso en el escenario. Esta edición esencial contiene 17 pistas de estudio, una escogida selección del más que prolífico catálogo de Memphis Minnie, tomado de diferentes sellos. Se incluye 'I'm A Bad Luck Woman', por supuesto.


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CHET BAKER SWINGS PRETTY

Los primeros cortes del Chet Baker Quartet con Russ Freeman, publicados originalmente en gran variedad de vinilos de 10 pulgadas y viejos discos de 78 rpm. Atención coleccionistas: el álbum incluye dos extras muy especiales: las versiones en 10" y 12" de 'Long Ago and Far Away' y 'The Thrill Is Gone'.


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STAN GETZ ON A SHELLFISH BANQUET

Spontaneity. Relax and the highest degree of good vibes. This is what comes to mind when we have to talk about this rarity which will appeal to all collectors. A previously unreleased Stan Getz session taped in one of the most informal ways one can think of.


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Lund, Sweden, 30th September 1977. Stan Getz has been invited for a shellfood meal at his brother in law’s house along with some of his musician friends. And naturally the banquet ends up on an after-supper jam session with the happy coincidence that the brother in law had a good tape recorder around.

A few anecdotes pop up out of the informality and the good atmosphere in the session. You can hear a pendulum clock, cups of coffee, a running around six year-old boy and Getz saying to the other musicians “No applause; just throw money”. One of the tunes ‘Snoopy is Back’ – the only non-standard as well as Getz's brief and closing ‘Coda’– was improvised to celebrate the sudden comeback of the house’s dog which had been lost for a while.

“This recording was never meant to be released” says in the liner notes the host, Peter Silfverskjöld, whom various decades later decided, with very good criteria, it should be shared with the American saxophonist’s legion of fans.

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TIM BERNE, VOLCADO AL PIANO POR MATT MITCHELL

¿Se puede verter el vertiginoso y turbulento sonido de Tim Berne a un solo de piano? Quizá solamente Matt Mitchell pueda. Su recientísimo nuevo álbum, 'Førage', es una buena muestra de ello. Y, como el resto del catálogo de Screwgun Records, se vende en Europa en formato físico solo en Jazz Messengers. Algo de lo que estamos especialmente orgullosos.


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"Nadie conoce mi música mejor que Matt". Así se expresa Tim Berne, aclamado compositor, icono del jazz de vanguardia, sobre quien ha sido pianista titular en los tres álbumes de su banda Snakeoil. Y el álbum lo demuestra.

Mitchell no se limita a versionar composiciones de Berne. En 'Førage' bucea en su catálogo, mezcla varios temas en uno, les cambia el tempo o hace mash-ups, con la seguridad y el atrevimiento que solo puede tener un 'insider'. El resultado, un profundo análisis al piano de la visión musical de Berne, sin perder nada de su característica energía y vivacidad.

Además de sus colaboraciones con Berne, Mitchell ha editado dos álbumes recientes bajo su propio nombre, 'Fiction' y 'Vista Accumulation', en los que demuestra su capacidad para fusionar la más valiente improvisación con el rigor compositivo.

El CD de 'Førage' se acompaña de un packaging que es en sí otra obra de arte, con inquietantes dibujos de Steven Byram, colaborador recurrente de Berne, y fotografías del compositor. De hecho, el propio Berne considera que el CD físico es vital para la experiencia integral de disfrutar de 'Førage'.

Hasta ahora la única forma que tenían los aficionados europeos de adquirir los discos de Screwgun Records –donde Berne edita sus propias obras y las de otros artistas afines– era recurrir a la propia web del sello, con las lógicas esperas habituales. Ya no es así. En Jazz Messengers, por primera vez a este lado del Atlántico, disponemos del catálogo completo de la firma, que entregamos en nuestros reducidos plazos habituales.

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TIM BERNE, VOLCADO AL PIANO POR MATT MITCHELL

¿Se puede verter el vertiginoso y turbulento sonido de Tim Berne a un solo de piano? Quizá solamente Matt Mitchell pueda. Su recientísimo nuevo álbum, 'Førage', es una buena muestra de ello. Y, como el resto del catálogo de Screwgun Records, se vende en Europa en formato físico solo en Jazz Messengers. Algo de lo que estamos especialmente orgullosos.


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"Nadie conoce mi música mejor que Matt". Así se expresa Tim Berne, aclamado compositor, icono del jazz de vanguardia, sobre quien ha sido pianista titular en los tres álbumes de su banda Snakeoil. Y el álbum lo demuestra.

Mitchell no se limita a versionar composiciones de Berne. En 'Førage' bucea en su catálogo, mezcla varios temas en uno, les cambia el tempo o hace mash-ups, con la seguridad y el atrevimiento que solo puede tener un 'insider'. El resultado, un profundo análisis al piano de la visión musical de Berne, sin perder nada de su característica energía y vivacidad.

Además de sus colaboraciones con Berne, Mitchell ha editado dos álbumes recientes bajo su propio nombre, 'Fiction' y 'Vista Accumulation', en los que demuestra su capacidad para fusionar la más valiente improvisación con el rigor compositivo.

El CD de 'Førage' se acompaña de un packaging que es en sí otra obra de arte, con inquietantes dibujos de Steven Byram, colaborador recurrente de Berne, y fotografías del compositor. De hecho, el propio Berne considera que el CD físico es vital para la experiencia integral de disfrutar de 'Førage'.

Hasta ahora la única forma que tenían los aficionados europeos de adquirir los discos de Screwgun Records –donde Berne edita sus propias obras y las de otros artistas afines– era recurrir a la propia web del sello, con las lógicas esperas habituales. Ya no es así. En Jazz Messengers, por primera vez a este lado del Atlántico, disponemos del catálogo completo de la firma, que entregamos en nuestros reducidos plazos habituales.

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WOODY ALLEN, ESE CINEASTA ENAMORADO DEL JAZZ

Empiezan los títulos de crédito, en un austero texto blanco sobre fondo negro, y suena jazz. Así suelen arrancar las películas de uno de los mayores genios vivos del cine. Y es que, si hablamos de cine y jazz, hay que referirse obligatoriamente a Woody Allen. De acuerdo, el nombre del momento es Damien Chazelle, su 'La La Land' –que se ha quedado sin Oscar a la mejor película en el último momento, tras un monumental error en la entrega de los premios– y su obsesión porque sus protagonistas sean músicos de nuestro género preferido. Pero nadie como Allen ha llenado tanto de jazz –y tan bien– la banda sonora de sus películas. Y os presentamos un disco que lo demuestra.


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'Swing in the films of Woody Allen' recoge toda una serie de magníficas composiciones de diferentes estilos del jazz, y muy especialmente de swing, de entre las muchísimas que el director neoyorquino ha usado en sus películas. Con unas preferencias cronológicas muy claras: todos los temas fueron grabados entre las décadas de 1930 y 1950, la edad de oro del swing. Y es que, como dijo el propio realizador, "todo el mundo ama la música de su niñez". Y en esa época –nació en 1935–, cuando se levantaba para ir a la escuela en Brooklyn, "ponía la radio y estaban Billie Holliday y Coleman Hawkins y Benny Goodman".

UN PUÑADO DE GRANDES ARTISTAS

El álbum, disponible en nuestra tienda en vinilo y en CD, arranca con 'Si tu vois ma mère', de Sidney Bechet, la maravillosa pieza con la que Allen también abrió –y cerró– su reciente 'Midnight in Paris'. Una inmejorable forma de empezar un viaje por un puñado de grandes artistas –y grandes películas–, de Count Basie, Benny Goodman o Art Tatum a Paul Desmond o Django Reinhardt; de 'Hannah y sus hermanas' o 'September' a 'Si la cosa funciona' o 'Acordes y Desacuerdos'. Un film, este último, por cierto, total y absolutamente centrado en el jazz, con Sean Penn en el papel de un guitarrista obsesionado con Reinhardt.

Woody Allen selecciona personalmente toda la música de sus films. Y, huyendo de los tópicos, no se limita a usar el jazz para escenas nocturnas con mucho humo y alcohol, sino que no tiene problemas, por ejemplo, en poner 'Take Five' de fondo mientras discute con Helena Bonhman Carter en un anodino trayecto en coche.


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La pasión de Allen por el jazz no se acaba en sus películas. Él mismo toca en una banda desde hace décadas -aunque se considera "un músico muy malo"-, y se toma su hobby con especial seriedad. Tanto, que en 1977 plantó sonoramente a los miembros de la Academia de Hollywood y no acudió a la gala de los Oscar que premió con cuatro estatuillas su 'Annie Hall'. Pero al día siguiente no se olvidó de presentarse a tocar -como hacía cada lunes- en un pequeño local neoyorquino. Una jugada que repitió en 2012, cuando también fue premiado -por 'Midnight in Paris'. Nadie ha tratado tan bien el jazz en el cine como Woody Allen, y tampoco nadie es tan chulo.

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ADIÓS A HORACE PARLAN

Se ha ido un gran jazzman. El pianista estadounidense Horace Parlan falleció de muerte natural este jueves a los 86 años en Dinamarca, donde vivía desde 1973.


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Parlan, nacido en Pittsburgh en 1931, deja una treintena de álbumes como líder, además de innumerables colaboraciones con algunos de los más grandes, como Dexter Gordon –igualmente expatriado en el país nórdico– o Charles Mingus –cuya banda integró a mediados de los 50–. Especialmente aclamados por la crítica fueron sus duetos con el saxofonista Archie Shepp, grabados para su sello habitual en las últimas décadas, el también danés Steeplechase. Muy en particular destaca su álbum conjunto de 1978 'Goin' home', convertido en un clásico instantáneo desde entonces, en el que versionan de forma exquisita –y vanguardista– tradicionales espirituales afroamericanos.


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Con Shepp, de hecho, le unía una especial amistad, y este le telefoneaba regularmente a la residencia a la orilla del mar en la que estaba ingresado en Dinamarca. En los últimos años, Parlan se vio confinado a una silla de ruedas y había quedado ciego. Lo cual no le impedía acudir en ocasiones a los clubs de jazz de la potente escena de Copenhague, para gozo de sus múltiples fans en el país nórdico.

Parlan destacaba por su peculiar estilo al piano, con un uso predominante de la mano izquierda. Una peculiaridad que –muy al estilo Reinhardt–, se debe a una dificultad física superada a base de coraje. Y es que Parlan padeció una poliomielitis en la niñez que le dejó con solo dos dedos hábiles en su mano derecha.


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Se ha ido un gran jazzman. El pianista estadounidense Horace Parlan falleció de muerte natural este jueves a los 86 años en Dinamarca, donde vivía desde 1973.


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Con Shepp, de hecho, le unía una especial amistad, y este le telefoneaba regularmente a la residencia a la orilla del mar en la que estaba ingresado en Dinamarca. En los últimos años, Parlan se vio confinado a una silla de ruedas y había quedado ciego. Lo cual no le impedía acudir en ocasiones a los clubs de jazz de la potente escena de Copenhague, para gozo de sus múltiples fans en el país nórdico.

Parlan destacaba por su peculiar estilo al piano, con un uso predominante de la mano izquierda. Una peculiaridad que –muy al estilo Reinhardt–, se debe a una dificultad física superada a base de coraje. Y es que Parlan padeció una poliomielitis en la niñez que le dejó con solo dos dedos hábiles en su mano derecha.


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Parlan destacaba por su peculiar estilo al piano, con un uso predominante de la mano izquierda. Una peculiaridad que –muy al estilo Reinhardt–, se debe a una dificultad física superada a base de coraje. Y es que Parlan padeció una poliomielitis en la niñez que le dejó con solo dos dedos hábiles en su mano derecha.


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Parlan destacaba por su peculiar estilo al piano, con un uso predominante de la mano izquierda. Una peculiaridad que –muy al estilo Reinhardt–, se debe a una dificultad física superada a base de coraje. Y es que Parlan padeció una poliomielitis en la niñez que le dejó con solo dos dedos hábiles en su mano derecha.


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